27 novembre 2019

Photo Pinterest

Photo Première

Dans ce film culte réalisé par Fred Zinnemann en 1952, le shérif Will Kane (Gary Cooper à son sommet) doit affronter Frank Miller qu’il avait jadis arrêté et envoyé en prison pour cinq ans. Le shérif, malgré les supplications de sa femme (Grace Kelly), une quaker, qu’il venait d’épouser le jour même, décide d’accomplir son devoir et cherche à recruter une équipe. Kane se dirige vers l’église du village où il espère trouver de l’aide. Les fidèles se dérobent et le pasteur se retranche dans un lâche mutisme. Jacques Tourneur évoquera à propos du film : «La belle église blanche qui semble chaleureuse et accueillante au début, finit par abriter et protéger toute la lâcheté humaine et rejeter cruellement le héros venu y trouver une dernière chance de salut». Kane restera seul pour livrer le combat face à Miller et sa bande.
À l’approche des trois coups de sifflets fatidiques annonçant l’arrivée de Miller, la détresse du shérif se lit sur son visage alors que le village entier retient son souffle. L’horloge sonne les minutes, tout se joue en temps réel. La caméra filme Kane en contre plongée, marchant sous le soleil, seul dans sa tourmente, conscient de sa fragilité, mais déterminé à assumer ses responsabilités. On entend en fond musical la chanson du film, reprise inlassablement, accentuant la solitude et l’angoisse de Kane : Do not Forsake me, oh my darling… Et quel désespoir lorsque Kane voit son épouse et son ancienne maîtresse (impressionnante Katy Jurado) quitter la ville alors que la caméra, dans un travelling arrière plongeant époustoufflant, s’éloigne de Kane et le laisse là, au milieu de la rue, dans son immense accablement.
Une succession de plans se projettent sur les visages tendus, ceux des clients du saloon dans l’attente du règlement de comptes, ceux des paroissiens silencieux la tête basse, celui de l’épouse de Kane, pétrifiée d’angoisse, celui de l’ancienne maîtresse, fataliste… Avant que se dénoue la tragédie, avant que Kane rende son insigne et que la population vienne  le congratuler, là où elle s’était si honteusement rétractée.
On a rarement aussi bien filmé le suspense.

Le train sifflera trois fois
Fred Zinnemann – USA 1952
Disponible en DVD et Blu-ray

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11 novembre 2019

Photo : rueducine

En 1964, John Ford signe l’un de ses plus remarquables westerns. Serein, pacifié et humain. Il décrit la longue marche d’une tribu Cheyenne, depuis la réserve qui leur a été attribuée jusqu’à la terre d’où ils avaient été chassés, leur mère patrie, dans le Dakota. Tout au long de cette traversée, épuisés, malades et affamés, ils sont pourchassés avec brutalité par la cavalerie qui veut à tout prix les ramener à leur réserve. Le capitaine Thomas Archer (Richard Widmark), plein d’humanité à leur égard essaiera de les assister tant bien que mal, tout en restant cependant tenu par son devoir de soldat. Est-il le miroir de John Ford, lui-même toujours indigné par le sort que l’Amérique a réservé aux Indiens ? Cette longue marche des Cheyennes à travers le territoire américain ne serait-elle pas une allégorie de la traversée du désert par le peuple de Moïse fuyant les armées du Pharaon, un « Exodus » comme il y en eu tellement dans l’histoire de l’humanité ? On pense aussi au film  Les  Raisins de la colère dans lequel John Ford dépeint la migration de familles fuyant la misère. On retrouve ici un Ford catholique, pétri de références bibliques. Alors qu’il venait d’être informé par Archer des conditions dramatiques dans lesquelles les Indiens étaient enfermés à Fort Robinson, Carl Schurz (Edward G. Robinson), le secrétaire d’Etat à l’intérieur, implore dans une attitude quasi-christique face au portrait de Lincoln, « Vieil ami, que ferais-tu ? »
L’arrière plan de ce terrible parcours, c’est la nature. John Ford, comme à son habitude, filme avec magie Monument Valley, les montagnes, les tempêtes de sable ou les étendues neigeuses du Wyoming. Il donne ainsi à cet exode une dimension mystique et cosmique. Sur ce fond d’espaces majestueux à couper le souffle, John Ford libère un peu le spectateur de cette force tellurique qui pèse sur lui, notamment lorsqu’il le transporte à Dodge City. On y voit le shérif Wyatt Earp, interprété par un James Stewart facétieux et flegmatique, jouant aux cartes avec Doc Holliday et ne s’intéressant nullement à une arrivée probable des Indiens. Le maire de la ville, complètement paniqué, décide d’envoyer un convoi à leur poursuite qui se termine finalement en véritable mascarade guignolesque. Dans ce moment de liberté, John Ford veut nous signifier la désinvolture et l’intolérance de cette société des petites villes de l’Amérique profonde à l’égard des minorités. Humour encore, lorsque Schurz offre un cigare aux deux chefs indiens pour remplacer le tabac manquant du calumet de la paix. Ne serait-ce pas là encore un signe de condescendance, annonciateur de la disparition des traditions et le commencement d’une « nouvelle coutume » comme le dit effectivement Schurz ? Quoi qu’il en soit, voilà un film généreux par la passion que nous offre John Ford ; bouleversant par la souffrance que ces Cheyennes ont vécue ;  grandiose par la beauté des paysages. Un western 5 étoiles.

Les Cheyennes
John Ford
USA – 1964
Disponible en DVD et Blu-ray

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18 octobre 2019

Photo : SensCritique

Orson Welles est toujours au sommet de son art en 1958, lorsqu’il tourne La soif du mal. Et quel sommet ! La quintessence du film noir, un plan-séquence d’ouverture de plus de trois minutes époustouflant, inoubliable, des cadrages en plans serrés, des contre-plongées vertigineuses, un traitement expressionniste du clair-obscur comme un oxymore cinématographique, des comédiens magnifiques dans l’interprétation de leur personnage… tout un éventail de plans et de séquences de premier ordre au service d’une intrigue classique certes mais oh combien palpitante et dont le suspens ne se relâche jamais.
À la suite d’un attentat à la frontière américano-mexicaine, deux policiers mènent l’enquête. L’un Mexicain, Mike Vargas, interprété par Charlton Heston, est épris de justice et respectueux des lois. L’autre, Hank Quinlan l’Américain, incarné par Orson Welles, est un policier corrompu, véreux et manipulateur. Bouffi, obèse, en sueur avec son cigare à la bouche, il apparait comme une sorte de monstre, violent et raciste, cherchant à venger ses drames passés par le mal qu’il fait autour de lui. Dans la confrontation qui l’oppose à Vargas, il accuse un innocent – Mexicain bien entendu – de l’attentat, il exécute un chef mafieux, fait séquestrer Susan, la femme de Vargas (saisissante Janet Leigh)… autant de méthodes du flic crapuleux. Lors de la dernière séquence, magistralement filmée la nuit autour d’un pont, Vargas poursuit Quinlan et fait la preuve de sa malveillance. On assiste alors à la déchéance puis à la mort de Quinlan. L’apparition de Marlene Dietrich, la patronne du bordel local où Quinlan avait ses habitudes, assistant à sa fin, déclare, mélancolique et philosophe, qu’il était malgré tout un sacré bonhomme.
Douglas Kennedy dans la revue America N°8, écrit que « cinquante ans après la sortie du film en 1958, le racisme tenace qu’Orson Welles dénonce est toujours bien présent au sein du corps politique » américain d’aujourd’hui.
Le plus grand film de Welles (avec Citizen Kane !). Un chef-d’œuvre.

La soif du mal
Orson Welles
USA – 1958
Disponible en DVD et Blu-ray

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26 août 2019

Photo : Créteil Le Palais

L’intelligence au service de la fraude ? Non. Mais l’intelligence au service du cinéma, et quel cinéma ! Une pépite de subtilité et de délicatesse. Tel est le film de Marielle Heller. C’est l’histoire d’une ancienne auteure à succès de 50 ans, Lee Israel (formidable Melissa McCarthy), aujourd’hui fauchée et dépassée. Pour se remplumer, elle commence à imiter le style de grands romanciers. Avec son confrère Jack, le très British Richard Grant, elle rédige des lettres échangées entre écrivains célèbres et les vend aux collectionneurs. Toujours un verre de whisky à la main, attachée à son chat, elle fait monter les enchères et accumule ainsi quelques milliers de dollars. Nos deux acolytes nous entrainent dans un merveilleux New York jazzy, la nuit ou sous la neige, où tout respire la culture, les arts et la littérature. Les librairies de Greenwich Village ponctuent leurs aventures. On y découvre des relations pas toujours vertueuses entre les collectionneurs et les libraires. Mais où est la vertu, là où règne nos deux contrefacteurs de génie. Lee Israel mène sa barque avec désinvolture, impertinence et humour et bien que hors la loi et coupable, elle assure avec dignité sa responsabilité, car elle estimait qu’elle était meilleure que les écrivains qu’elle imitait. On s’attache facilement à ce personnage plein de contrastes, alcoolique et négligée, mais déterminée dans son entreprise. Nous l’accompagnons sur son chemin de croix, vers sa rédemption. Condamnée, mais fière d’avoir surmonté ses blessures, elle est enfin reconnue comme un grand écrivain. Décidément, ces faussaires nous offrent un film bien sympathique.

Les faussaires
Marielle Heller
USA – 2019
En salles depuis le 31 juillet 2019
Disponible en DVD et Blu-ray

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10 juillet 2019

Photo : Newestern

Premier long métrage de Laure de Clermont-Tonnerre, Nevada est certes un film carcéral ou peut-être même un western. Mais c’est surtout un film sur la liberté, sur la «difficile liberté» comme dirait le philosophe Emmanuel Levinas. Voici un prisonnier, incarcéré depuis de nombreuses années, transféré contre sa volonté, dans une prison du Nevada où il est obligé de suivre un programme de réhabilitation sociale. Ainsi, en dressant des chevaux sauvages, notre héros Roman Coleman, interprété magnifiquement par Matthias Schoenaerts, pourrait sortir du système carcéral et retrouver peut-être la liberté. Mais, pour Roman, brute colérique, toujours prêt à exploser, la socialisation progresse lentement. Des liens affectifs vont cependant peu à peu se tisser entre Roman et le vieux patron de l’enclos, interprété par un Bruce Dern espiègle. Et avec son cheval sauvage aussi. Roman doit le dresser avant qu’il ne soit vendu aux enchères. Tous deux finissent par s’apprivoiser, se parler et finalement se libérer mutuellement : libéré de sa solitude et de son mutisme pour Roman, de son destin mortifère pour le mustang. Dans une séquence finale, d’une intensité dramatique admirable, Roman libère son cheval tout en sacrifiant sa propre liberté, puisque le programme de réinsertion n’aura pas fonctionné pour lui. C’est bien un film sur le combat pour la liberté. Le mustang, qui subrepticement vient pour ainsi dire «faire un adieu» à Roman, retrouvera-t-il les grands espaces westerniens ou sera-t-il à nouveau capturé ? Roman, à nouveau derrière les barreaux, connaitra-t-il la rédemption et la paix intérieure ? Au-delà du film carcéral et de la diélectique de l’évasion/enfermement, Laure de Clermont-Tonnerre nous montre une Amérique où les rapports aux hommes, à l’espace, aux animaux se déroulent souvent dans une relative douceur, une certaine harmonie. Les milliers de chevaux sauvages galopent en liberté dans les grandes plaines de l’Ouest, les prisonniers sortent de derrière leurs barreaux pour entrer en résonance avec leurs chevaux, avec l’espoir d’une réinsertion sociale. Même la vente aux enchères au cours de laquelle les mustangs une fois dressés sont vendus, laisse transparaitre une certaine émotion lorsque les détenus et les acheteurs chantent à l’unisson l’hymne américain, main sur le coeur. Laure de Clermont-Tonnerre livre ici un film consensuel, absent de tout manicheïsme et où seuls règnent l’espoir et le refus des instincts et des pulsions de mort.

Nevada
Laure de Clermont-Tonnerre
USA – 2019
En salles depuis le 19 juin 2019
Disponible en DVD et Blu-ray

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17 juin 2019

Photo AlloCiné

Mon Dieu, quel film pourrait-on dire de ce « gospel live » chanté par une Aretha Franklin au bord de l’extase. Qui aurait pu penser qu’un simple petit documentaire tourné avec des moyens de fortune dans une petite église de Los Angeles puisse être aussi jubilatoire. Ce concert quasi-amateur laisse voir les à-côtés de l’enregistrement, avec humour et bonhomie. Voici le révérend Cleveland de l’église baptiste dans laquelle se déroule le concert – excellent pianiste et chanteur au demeurant – intervenant à tout moment. Voici Sydney Pollack avec son appareil photo traversant le champ sans se soucier de la présence de la caméra. Les câbles et micros trainent partout. Voici encore le révérend balançant des mouchoirs à la cantonade. Ou bien encore le père d’Aretha épongeant le visage baigné de sueur de sa fille tandis que sa voix s’élève au plus haut degré de spiritualité. Avec le révérend Cleveland, avec les musiciens, avec les choristes et leur fascinant chef de chœur, le chant incandescent d’Aretha transcende les enjeux techniques du tournage, pour emmener les fidèles de l’église – et nous avec eux – vers une joie infinie. Même les spectateurs de la salle de cinéma où était projeté le film ne cessaient de battre des mains avec fougue et enthousiasme, du jamais vu ! Les débordements et l’exaltation que les gospels d’Aretha soulèvent dans l’assistance sont en quelque sorte l’expression de la libération de la communauté afro-américaine. Car il ne faut pas oublier que le concert se déroule dans une église de Watts, là où précisément eurent lieu les explosions de violence en 1965. Et 1972 n’est pas bien loin des victoires obtenues par le mouvement des droits civiques. Finalement, cet extraordinaire concert n’est pas vraiment un film, c’est un chant envoutant, une « Amazing Grace ».

Amazing Grace
D’Allan Elliot et Sydney Pollack
USA 1972
Depuis le 5 juin 2019 en salles
Disponible en DVD à partir d’août 2019

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4 juin 2019

Photo AlloCiné

C’est en 1942 que Michael Curtiz a réalisé Casablanca. L’action se situe pendant la seconde guerre mondiale à Casablanca au Maroc, contrôlé par le gouvernement de Vichy. Le héros Rick (Humphrey Bogart) est propriétaire du Rick’s Café Américain. Cynique et désenchanté, il est confronté à des sentiments contradictoires. Il veut faire croire qu’il ne s’intéresse qu’à ses affaires et que les ravages de la guerre ne le concernent pas. Il est toujours épris d’Ilsa (Ingrid Bergman) qu’il a connu jadis à Paris. Mais il va faire tout son possible pour aider le leader de la résistance tchèque, Victor Laszlo, l’époux d’Ilsa, à fuir pour les États-Unis. Rick privilégie ainsi son engagement contre l’Allemagne en sacrifiant ses sentiments pour la femme qu’il aime. C’est à Casablanca, en effet, que convergent les réfugiés fuyant l’Europe hitlérienne, dans l’espoir d’atteindre les États-Unis. Si l’Amérique avait été la Terre promise des premiers pionniers, lors de la Seconde Guerre mondiale, elle fait figure de terre de liberté et de salut.
Ce suspens, cette recherche romantique de liberté rendent le film particulièrement attachant. Les dialogues y sont éblouissants. Le « Play it again, Sam » (en réalité Play it once, Sam) d’Ingrid Bergman s’adressant au pianiste, lorsqu’il interprète As Time Goes By, nous plonge dans un fort sentiment nostalgique. Les acteurs sont tous excellents. Le jeu du couple Bogart/Bergman remporte l’adhésion tant il est profond et émouvant, malgré les critiques que le film suscita dès l’écriture du scénario. L’organisation de régulation cinématographique (le Code Hays), oh combien conservatrice et pudibonde et son patron, Joseph Breen, avaient alors refusé que l’on suggère que le capitaine Renault (l’officier de police représentant le gouvernement français, interprété par Claude Rains) puisse profiter de sa position dominante (il est en effet le seul à pouvoir délivrer des visas pour les États-Unis) pour séduire des femmes. Joseph Breen propose alors des modifications, notamment que l’adultère (d’Ilsa avec Rick) soit justifié en précisant qu’Ilsa croyait que son mari Victor était mort au combat. Breen faisait d’ailleurs une fixation sur l’adultère. Chaque fois qu’un film l’évoquait, il exigeait qu’il soit condamné et puni. Finalement, les scènes que Breen voulait supprimer dans Casablanca, resteront – heureusement – toujours présentes dans le film.
On vibre de patriotisme lorsque les clients et soldats français présents au Rick’s Café, entonnent La Marseillaise pour couvrir les chants des officiers nazis. On jubile de joie lorsque Rick arrive à doubler le capitaine Renault – en lui pointant une arme – et que Victor Laszlo et sa femme embarquent juste à temps dans l’avion qui les emmène vers les États-Unis et la liberté. L’officier nazi qui tente d’empêcher l’avion de décoller est abattu par Rick. Le capitaine Renault, couvre alors Rick en demandant à son équipe d’arrêter les « suspects habituels ». C’est alors que Rick, dans une des plus belles répliques du film dit au capitaine Renault : « Louis, je crois que ceci est le début d’une merveilleuse amitié ». Tous deux décident de quitter Casablanca pour rejoindre les Forces françaises libres à Brazzaville. Casablanca, un film qui n’a pas pris une seule ride, un chef-d’œuvre !

Casablanca
De Michael Curtiz
USA 1942
Avec Humphrey Bogart, Ingrid Bergman et Claude Rains
Disponible en DVD et Blu-ray

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5 mai 2019

Miles Davis est dans sa chambre, déprimé, abattu, rongé par la drogue. Il n’a pas touché sa trompette depuis deux ans. Nous sommes le 13 juillet 1977. C’est la canicule et une énorme panne d’électricité plonge New York dans l’obscurité la plus totale. En manque d’héroïne, Miles Davis prend le risque de s’aventurer dans la ville en butte à la panique, aux émeutes et aux pillages. Il nous emmène avec lui, au sens propre du terme, dans un voyage cauchemardesque, halluciné, angoissant à travers les quartiers de New York mais aussi dans son passé. Parce qu’il est noir, caché par sa capuche et dévasté par son addiction, personne ne le reconnait. Il est agressé, insulté, poursuivi, boxé, traqué. Par les Black Panthers, le Klu Klux Klan, les punks, les dealers, des militants nazis à croix gammée, des satanistes, la police… Il se retrouve même dans la voiture du Fils de Sam, un tueur en série, qui rode dans New York. Il est propulsé au milieu de manifestants qui fêtent l’indépendance, de rixes racistes, de combats entre catholiques et protestants, de la Guerre civile et la fin de l’esclavage, du Jeudi Noir de la crise de 1929… et à chaque fois il est sur le point de mourir.
Le style de Michaël Mention, brut, violent, à couper au couteau, rythmé comme une improvisation de jazz, syncopé comme le Blue Rondo à la Turk chanté par Claude Nougaro, nous entraîne dans cette folle course suffocante et terrifiante. Dans chacune de ses étapes, Miles Davis est accompagné par un personnage étrange, John, qui ne cesse d’inciter le jazzman à reprendre sa trompette et sa carrière sur le champ, sans quoi il périra. C’est d’ailleurs John qui le « téléporte »  d’un lieu à l’autre et d’une époque à l’autre.  C’est lui aussi, qui d’une certaine façon l’aide à sortir des situations mortifères dans lesquelles il s’est jeté. John est-il un personnage placé là par Michaël Mention pour accentuer la dimension fantastique de son roman ? N’est-il pas aussi le double de Miles Davis, son sur-moi en quelque sorte qui le pousse à sortir de sa déprime et à reprendre sa trompette ? Et d’ailleurs, l’auteur ne manque pas de parsemer son récit d’images fugaces et fulgurantes qui traversent l’esprit de Miles. Des images de jazz qui arriveraient comme des riffs au beau milieu d’une série de chorus. Il évoque la mort de ses complices : Bird, « qui était le meilleur », Lester, Fats, Duke…. Il croise « les clones de d’Elton Jones et de Donna Summer ». John lui rappelle son extraordinaire swing dans Round About Midnight. Il se revoie sur scène, réservé et timide, dans son « costard trop grand à 47 dollars » jouant derrière Charlie Parker, 52nd Street, avec, Thad (Jones) au piano et Max (Roach) à la batterie…
Oui, le livre de Michaël Mention est bien un livre musical, un be-bop littéraire étourdissant ponctué des accents de la trompette de Miles ou  de Dizzy et du saxo de Bird. À lire et à « écouter. »

Manhattan Chaos
de Michaël Mention
Éditions 10/18 – 2018

[1] A la question d’un journaliste en 1960 : « Où va le jazz ? », Thelonious Monk répondit : « Peut-être va-t-il tout droit en enfer. »

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5 avril 2019

Photo AlloCiné

Milos Forman dépeint dans Ragtime une gigantesque fresque de l’Amérique de la Belle époque au début du XXème siècle : un monument du même calibre qu’Autant en emporte le vent.
Dans cette toile qui forme une sorte de « mural » façon Diego Rivera, quatre histoires s’entrecroisent ou plutôt tournent autour d’un pivot central : la maison d’une famille d’industriels ayant fait fortune dans la fabrication de feux d’artifice. Une famille de Blancs, tout ce qu’il y a de plus convenable, qui vit dans la ville provinciale de New Rochelle, image archétypique de l’Amérique profonde. Le jeune frère de la famille (Brad Dourif) assiste à l’assassinat de l’architecte Stanford White (interprété par l’écrivain Norman Mailer) par un riche homme d’affaires. Celui-ci avait eu le tort d’élever une statue d’une ex-amante posant nue, la danseuse Evelyn Nesbit (Elizabeth McGovern), désormais épouse du meurtrier jaloux. Lors du procès, Milos Forman porte un regard féroce sur une certaine Amérique, celle de la haute bourgeoisie industrielle et politique où les assassinats sont monnaie courante et où la justice est au service des puissants. On y voit comment elle essaye de manipuler la jeune danseuse, à coups de millions de dollars, pour qu’elle accepte d’accuser son mari. Finalement elle se retrouve bernée, malgré les conseils de Brad Dourif qui est devenu son amant.
Cette famille de New Rochelle est le point de départ de l’histoire qui occupe la plus grande place dans le film. Elle accueille une jeune Noire et son bébé abandonnés par le pianiste de jazz Coalhouse Walker Jr. Celui-ci refait surface après avoir réussi sa carrière et gagné beaucoup d’argent. Le film prend alors une tournure tragi-comique. Walker voit sa nouvelle voiture rutilante, la fameuse Ford T, souillée et détériorée par une brigade de pompiers Blancs racistes. Il demande réparation et exige que le chef des pompiers soit jugé et condamné. Mais évidemment, personne n’en tient compte. Il est en bute au racisme et à la discrimination de la machine bureaucratique que Milos Forman raille avec un art consommé de la mise en scène. Le cinéaste sait de quoi il parle, lui qui a connu le pouvoir humiliant de la Tchécoslovaquie communiste. Walker passe alors de la résistance à la violence. Il prend les armes et avec des complices, s’apprête à faire sauter la bibliothèque de la ville dans laquelle il s’est retranché. De plus, sa fiancée, venue demander justice devant le vice-président des États-Unis, sera battue à mort par un policier. Commence une rocambolesque confrontation entre Walker et les forces de police, dirigées par leur chef Waldo, autoritaire, plus ou moins respectueux des lois, un rien sarcastique et plein d’humour. (Waldo est ici interprété par James Cagney qui fait son retour à l’écran à 82 ans). On voit alors arriver dans la bibliothèque truffée de bombes, une importante personnalité modérée de la communauté Noire, qui pourrait bien évoquer la figure de Martin Luther King. On voit aussi l’industriel chef de famille de New Rochelle se proposer comme otage pour faire revenir Walker à la raison et l’amener à se rendre. Situation loufoque où Brad Dourif – qui avait pris fait et cause pour Walker – grimé en Noir et cagoulé, revolver à la main, fait face à son beau-frère. Cet industriel, qui au début du film laissait deviner ses sentiments racistes et qui par la suite manifestait sa sympathie pour Walker, se fait littéralement expulser de la bibliothèque et s’en retourne penaud et impuissant. La loi vaincra.
Mais Milos Forman n’oublie pas d’imbriquer dans son film une autre histoire qu’il connait bien lui-même, celle de l’émigration. Il décrit de façon quasi ethnologique, avec un souci constant de la reconstitution, la vie des immigrés juifs d’Europe centrale venus s’installer dans le Bronx ou dans le Lower East Side de Manhattan, où ils forment une communauté pauvre, souvent opprimée, mais avide de s’intégrer à la nation américaine. C’est particulièrement le cas de ce juif barbu dénommé Tateh, ne sachant pas encore parler l’anglais, qui vend sur le marché ses créations de premiers dessins animés. Mais voilà qu’il séduit la femme du riche industriel, se fait reconnaitre comme artiste et finit par devenir cinéaste à Hollywood.
À travers la succession d’événements, les rapports entre les différentes communautés, la diversité de figures et personnages emblématiques, Milos Forman livrait en 1981 ce chef-d’œuvre, où il montrait de façon magistrale comment les fondements sur lesquels l’Amérique s’est forgée sont encore présents aujourd’hui.

Ragtime
De Milos Forman
USA 1981
Avec Howard E. Rollins, James Olson, James Cagney, Brad Dourif, Eizabeth McGovern, Mandy Patinkin, Norman Mailer, Mary Steenburgen
En salle depuis le 20 mars 2019
Disponible en double DVD ou double Blu-ray avec un livret de 32 pages

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25 février 2019

Photo: elephantcinemaquebec

Dans cette comédie-polar, Denys Arcand nous dévoile la face sombre du monde capitaliste, gangrené par l’argent sale, dont les effets dévastateurs n’épargnent rien ni personne. Un jeune doctorant en philosophie, Pierre-Paul, chauffeur-livreur dans une société de messagerie et bénévole dans une organisation d’aide aux sans-logis (les itinérants comme les appellent les Canadiens), se retrouve, sans le vouloir, à la tête d’un magot de plusieurs millions de dollars. Produits de la guerre des gangs et de toutes sortes de trafics interlopes, ces millions vont bousculer le quotidien de Pierre-Paul, cet homme philosophe, charitable et un peu désabusé de la vie. Après tout, pourquoi ne pas profiter de cet argent qui arrange bien les choses. Notre jeune ex-vertueux va alors s’entourer d’une équipe improbable de pieds nickelés pour essayer de faire disparaître le magot : une escort-girl de luxe, Aspasie, du nom de l’hétaïre grecque, compagne de Périclès puis de Socrate, un ancien taulard ayant suivi des cours « d’évasion fiscale », un avocat influent et débrouillard, apparemment au-dessus de tout soupçon et ex-amant d’Aspasie.
Et voici que le film s’élance dans un jeu de massacre sans concession, avec un humour ravageur. Tout y est, tout y passe : la corruption, la prostitution, des médecins cupides, la torture, l’évasion fiscale, le système judiciaire… et même la police, incapable de mettre la main sur les malfaiteurs et de retrouver l’argent disparu, avec à sa tête un policier désillusionné au bord de la dépression nerveuse. C’est une Amérique rongée par l’argent que Denys Arcand nous dépeint. L’argent permet tout. Il contrôle le monde et circule d’un système financier délétère à un autre, sans entrave d’aucune sorte. Et c’est ce grand avocat roublard, qui de son bureau luxueux tel un grand patron d’industrie respectable, dicte à ses correspondants les transferts d’argent qu’il y a lieu d’effectuer de Montréal aux Seychelles, puis à Londres et enfin en Suisse, au nez et à la barbe de la justice. C’est ce même avocat qui, avec une ironie décapante, répond au policier qui lui reprochait des fuites de capitaux vers des paradis fiscaux : « il n’y a pas de paradis sur terre. »
Ces capitalistes amateurs, nouveaux Robin des Bois d’aujourd’hui, Denys Arcand nous les rend bien sympathiques et les « itinérants » ne sauront trop comment les remercier de leur aide. Ne voit-on pas cet itinérant, ami de Pierre-Paul pleurer d’émotion en découvrant l’appartement que ce dernier lui offre. Un appartement neuf avec télévision et eau courante, tout ce dont il rêvait. L’humour et le suspens qui se déploient tout au long du film font des héros de cette aventure des personnages éminemment attachants, et faisant le bien malgré leur comportement moralement limite. L’on se prend à imaginer avec eux qu’ils pourront échapper à la police et poursuivre leurs actions charitables. Un film drôle et féroce.

La chute de l’Empire Américain
Denys Arcand
Québec – 2018
Disponible en DVD et Blu-ray
En salles depuis le 20 février 2019

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